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抽象芸術の起源と学校

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抽象芸術(非目的芸術と呼ばれることもあります)は、自然界の人、場所、または物を描写しない絵画または彫刻です。抽象芸術の場合、作品の主題は、色、形、ブラシストローク、サイズ、スケール、そして場合によってはアクションペインティングのようにプロセス自体です。

抽象芸術家は、観客が各作品の意味を独自の方法で解釈できるように、非客観的かつ非表象的であるよう努めています。したがって、抽象芸術は、ポール・セザンヌ(1839-1906)およびパブロ・ピカソ(1881-1973)のキュービズムの絵画に見られるような、誇張または歪曲された世界観ではありません。代わりに、形と色が作品の焦点と主題になります。

抽象芸術には表現芸術の技術的スキルは必要ないと主張する人もいれば、異なる人もいます。実際、それは現代美術の主要な議論の一つとなっています。ロシアの抽象画家ヴァシリー・カンディンスキー(1866-1944)が言うように:

「すべての芸術のなかで、抽象絵画は最も難しい。うまく描く方法を知っていること、作曲と色に対する感受性を高め、真の詩人であることを要求する。この最後は不可欠である。」

抽象芸術の起源

美術史家は通常、20世紀初頭を抽象芸術の歴史の中で重要な歴史的瞬間と特定しています。この間、アーティストは「純粋なアート」と定義したものを作成するために努力しました。視覚的な知覚ではなく、アーティストの想像力に基づいた創造的な作品です。この時代の影響力のある作品には、1909年にフランスの前衛芸術家フランシスピカビア(1879-1953)によって作成されたカンディンスキーの1911年の「円のある絵」と「カウチューク」があります。

ただし、抽象芸術のルーツはさらに遡ることができます。 19世紀の印象派や表現主義などの動きに関連するアーティストは、絵画が感情や主観を捉えることができるという考えを実験していました。一見客観的な視覚に単に焦点を合わせる必要はありません。さらにさかのぼると、多くの古代の岩絵、テキスタイルパターン、陶器のデザインは、私たちが見ているようにオブジェクトを提示しようとするのではなく、象徴的な現実を捉えました。

初期の有力な抽象アーティスト

カンディンスキーは、最も影響力のある抽象芸術家の一人と考えられています。彼のスタイルが長年にわたって表象から純粋な抽象芸術にどのように進歩したかという見解は、一般的なムーブメントの魅力的な見方です。カンディンスキー自身は、抽象的なアーティストが色を使用して、一見無意味な仕事の目的を与える方法を説明するのが得意でした。

カンディンスキーは、色が感情を刺激すると信じていました。赤は活気があり自信がありました。緑は内なる力で平和でした。青は深くて超自然的でした。黄色は暖かく、刺激的で、邪魔な、または完全に不気味なものです。そして白は静かに見えたが、可能性に満ちていた。彼はまた、各色に合わせて楽器の音色を割り当てました。赤はラッパのように聞こえた。緑は中間位置のバイオリンのように聞こえた。ライトブルーはフルートのように聞こえました。ダークブルーはチェロのように聞こえ、イエローはトランペットのファンファーレのように聞こえました。白は調和のとれたメロディーのポーズのように聞こえた。

これらの音の類推は、カンディンスキーの音楽に対する評価、特に現代のウィーンの作曲家アーノルドシェーンベルク(1874-1951)の作品に由来しています。カンディンスキーのタイトルは、しばしば「即興28」や「作曲II」など、作曲や音楽の色を指します。

フランスの芸術家ロバート・ドローネー(1885-1941)は、カンディンスキーのブルーライダー(ダイブラウライター)グループ。彼の妻であるロシア生まれのソニアドロネーターク(1885-1979)とともに、二人は自身の動き、オルフィズムまたはオルフィックキュービズムの抽象化に引き寄せられました。

抽象芸術とアーティストの例

今日、「抽象芸術」は、多くの場合、幅広いスタイルと芸術の動きを包含する包括的な用語です。これらの中には、非表象芸術、非客観的芸術、抽象表現主義、 アートインフォーマル (ジェスチャーアートの形式)、オプアート(光学アート、錯視を利用するアートを指す)でさえも。抽象芸術は、感情、音、スピリチュアリティなど、視覚的ではないジェスチャー、幾何学的、流動的、または比fig的なものかもしれません。

私たちは抽象芸術を絵画や彫刻に関連付ける傾向がありますが、それは集合や写真を含むあらゆる視覚媒体に適用できます。しかし、この動きで最も注目されるのは画家です。抽象芸術へのさまざまなアプローチを代表する多くの著名なアーティストが存在し、彼らは現代美術に大きな影響を与えてきました。

  • カルロ・カラ (1881-1966)は、20世紀初頭のエネルギーと急速に変化する技術を強調した抽象芸術の一形態である未来派の作品で最も有名なイタリアの画家でした。彼の経歴を通じて、彼はキュービズムでも働いた。彼の絵画の多くは現実の抽象化であった。しかし、彼のマニフェストである「音、ノイズ、匂いの絵画」(1913)は、多くの抽象的なアーティストに影響を与えました。それは、共感覚への彼の魅力を説明しています。感覚のクロスオーバーでは、例えば、多くの抽象的なアートワークの中心にある色を「嗅ぐ」ことができます。
  • ウンベルト・ボッチョーニ (1882-1916)は幾何学的形態に焦点を当てた別のイタリアの未来派で、キュービズムの影響を強く受けていました。彼の作品は、「States of Mind」(1911)に見られるように、しばしば身体の動きを描いています。この一連の3つの絵画は、乗客と電車の物理的な描写ではなく、駅の動きと感情を捉えています。
  • カジミール・マレーヴィッチ (1878-1935)は、多くの人が幾何学的抽象芸術の先駆者であると説明するロシアの画家でした。彼の最も有名な作品の1つは「ブラックスクエア」(1915年)です。テートの分析が述べているように、それは単純化されていますが、美術史家にとって絶対に魅力的です。「誰かが何かのない絵を作ったのは初めてだから」。
  • ジャクソン・ポロック (1912-1956)、アメリカの画家は、しばしば抽象表現主義、またはアクションペインティングの理想的な表現として与えられています。彼の作品は、キャンバス上のしずくや絵の具のしぶき以上のものですが、完全にジェスチャーでリズミカルであり、非常に非伝統的な技術を採用していることがよくあります。たとえば、「フルファゾムファイブ」(1947年)は、キャンバスに油を塗ったもので、一部にはタック、コイン、タバコなどが含まれています。 「8人に7人がいた」(1945年)などの彼の作品のいくつかは巨大で、幅が8フィートを超えています。
  • マーク・ロスコ (1903-1970)Malevichの幾何学的抽象を、カラーフィールドペインティングで新しいレベルのモダニズムに導きました。このアメリカの画家は1940年代に立ち上がり、色をすべて独力で主題に単純化し、次世代のために抽象芸術を再定義しました。 「Four Darks in Red」(1958)や「Orange、Red、and Yellow」(1961)などの彼の絵画は、サイズが大きいのと同じくらいスタイルが有名です。


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